Lee Bontecou, una de las escultoras más prolíficas de la generación de posguerra cuyas construcciones cosidas y cosidas llevaron la escultura al límite, del suelo a la pared, y luego al vacío, falleció este martes en su casa de Florida. Tenía 91 años. Su muerte fue reportada por primera vez por el New York Times Martes.
Bontecou tuvo un gran avance artístico en 1959, creando un cuerpo de trabajo que era reconocible al instante y diferente a todo lo que la escena artística de Nueva York había visto antes o después. Bontecou recogió lonas sucias que se usaban en las cintas transportadoras y las tiraba a la lavandería en la planta baja de su loft de East Village en Avenue C, cortó estas lonas encontradas, las ensució aún más con hollín y las cosió toscamente con alambre sobre una armadura de acero soldada, siempre. con un vacío que se avecina cerca de su centro.
Las esculturas de Bontecou estaban montadas en la pared, justo antes de un período fértil en el que otros artistas cuestionarían de manera similar cómo y dónde deberían exhibirse las esculturas. Y, debido a que su arte estaba montado en la pared, esos vacíos emergentes parecían ilimitados, ilimitados e ilimitados. Se transportan a otros reinos, al mismo tiempo dentro de otro mundo. Agujeros negros que parecían decir algo sobre el tiempo, algo que no podías identificar, pero que, sin embargo, se movían y obsesionaban.
“Me cansé de la escultura como algo grande en medio de la habitación. Quería que fuera al espacio», dijo una vez Bontecou, según él. La historia del arte.
Pero el interés de Bontecou por el espacio no era meramente artístico; estos trabajos fueron oportunos, en referencia a su interés en el espacio y la obsesión del mundo en ese momento por llegar a reinos más allá de la Tierra, ya que la Unión Soviética lanzó el Sputnik en 1957.
«Estaba encantado y entusiasmado con el espacio exterior, no había conocimiento de los agujeros negros, sino de entidades enormes, intangibles y peligrosas, y me sentí muy emocionado cuando voló un pequeño Sputnik», recordó Bontecou más tarde, según el Museo de Arte Moderno. que se encuentra entre las muchas instituciones importantes que han recopilado su trabajo.
A partir de mediados de la década de 1960, cuando obtuvo elogios de la crítica por primera vez, las obras de Bontecou, la mayoría de ellas sin título, a menudo fueron malinterpretadas. Debido a su género y en un momento en que el feminismo de la segunda ola estaba en auge, muchas personas vieron las aspiradoras como algo sexual y, en última instancia, sexual. Bontecou discrepó rotundamente con cualquiera de esas conexiones y dijo años después en una entrevista con el lector de chicago que “El arte es el arte, y eso no es lo mismo que una mujer o un hombre. Lo que sea.»
Sin embargo, Bontecou rompió barreras que pocas artistas femeninas habían podido superar anteriormente en el mundo del arte. En 1960, Ivan Karp, el legendario comerciante de arte que entonces era director asociado de la Galería Leo Castelli, visitó su loft. En una historia oral de 1969 con los Archivos Smithsonian de Arte Estadounidense, Karp recordó que “ver estas estructuras parecidas a tiendas de campaña con sus cosas feroces, ya sabes, aterradoras. Y en contraste con ellos, la niña [Bontecou] Fue una experiencia muy conmovedora”.
Ese año, Castelli, ya consolidado como creador de estrellas con importantes sencillos de Robert Rauschenberg y Jasper Johns, mostró a Bontecou en una muestra colectiva con esos dos artistas y otros que produjo. Luego, más adelante en el año, después de los solos de Frank Stella y Cy Twombly, Bontecou tuvo su primera exposición individual en la galería. Durante años, fue la única mujer en la lista de Castelli.
Pronto siguió el éxito, con adquisiciones en el Museo Whitney y el MoMA, que luego incluyeron una pieza diferente del artista en la exposición «The Art of the Assemblage», comisariada por William Seitz, junto con piezas con figuras anteriores como Picasso, Braque , y Duchamp y sus contemporáneos como Rauschenberg, Willem de Kooning y Jean Tinguely. En 1963, el arquitecto Philip Johnson le encargó que creara una estatua conmemorativa de 21 pies para el Lincoln Center. Ese año también participó en la Bienal de São Paulo y luego en la Documenta III 1964 en Kassel, Alemania.
El arte de Bontecou siempre ha sido difícil de clasificar: no encajaba perfectamente en ningún movimiento de posguerra en particular, no se parecía a la obra que estaba en boga en ese momento y estaba hecho por una mujer. Expresionista abstracto o pop o jesuítico, era una obra enteramente suya. La popularidad de su trabajo y su comprensión de su importancia se desvanecieron en los años siguientes, y a menudo no se la reconoce hasta hace poco.
«Después de su gran éxito en la década de 1960, estaba siguiendo una nueva dirección, y no era lo que la gente esperaba ver, no era su estilo característico», dijo la curadora Elizabeth AT Smith, quien organizó un programa retrospectivo de Bontecou, una vez . e-flujo. “Creo que estaba decepcionada de que no se respetara ni entendiera su libertad como artista. Lo más importante para ella es ser muy libre en lo que quiere hacer y vivir su vida”.
Smith, quien publicó un ensayo sobre Bontecou i Arte en América en 1993, agregó, “Bontecou ya no puede ser considerado una figura histórica cuya obra fue importante en la década de 1960. Le guste o no, está aquí para quedarse”.
Lee Bontecou nació en 1931 en Providence, Rhode Island. Pasó su infancia en el condado de Westchester, Nueva York, con veranos en una universidad familiar en Nueva Escocia, de donde era su madre.
Después de la secundaria, Bontecou pasó dos años en Bradford Junior College en Massachusetts antes de mudarse a Nueva York en 1953, donde tomó clases durante los siguientes cinco años en la prestigiosa Art Students League. Durante el verano de 1954 tuvo una experiencia formativa en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan de Maine, donde aprendió a soldar. De 1956 a 1957 estudió en Italia con una beca Fulbright.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la madre de Bontecou, Margaret, trabajó en una fábrica de cableado de piezas de submarinos. Combinado con un tratamiento casi ajeno a las noticias y los acontecimientos mundiales desde una edad temprana, desde los espantosos detalles del Holocausto hasta la Guerra Fría en tiempo real, la práctica de Bontecou encapsuló y fusionó estas influencias en esculturas que hablaban de la era. . A medida que su trabajo avanzó a través de los años 60, se volvió aún más violento por naturaleza, incorporando máscaras antigás, cascos y navajas.
Hacia el final de la década, tuvo una hija, Valerie, y en la década de 1970 se mudó a la zona rural de Pensilvania con su esposo, el pintor William Giles, y Valerie, ya que se había cansado de Nueva York. «Toda la ciudad se estaba convirtiendo en una… tienda», le dijo Bontecou a Dore Ashton en una historia oral de SAAM 2009. El SoHo, donde mudó su estudio, se estaba «convirtiendo en un zoológico». (Bontecou, sin embargo, viajaría de regreso a la ciudad para enseñar en el Brooklyn College durante dos décadas hasta 1991).
Después del nacimiento de Valerie, el trabajo de Bontecou se centró más en su amor por la naturaleza, que descubrió por primera vez durante sus veranos en Nueva Escocia. Estas obras, algunas de las cuales fueron expuestas por primera vez en 1971 por Castelli, a menudo estaban hechas de plástico translúcido y presentaban peces y flores, llevadas al extremo, al estilo típico de Bontecou, con elementos exagerados añadidos que las hacían un poco inquietantes.
“Nadie los vio hasta que se los mostré”, dijo Bontecou en una historia oral de 2009. “Y luego todos estaban decepcionados, ya sabes. Querían más de lo mismo de siempre y no lo consiguieron».
Esa fue la última exposición de Bontecou en Nueva York en tres décadas y, a pesar de su nombramiento como profesora en el Brooklyn College, parecía haberse quedado fuera del mundo del arte en su apogeo. (Incluso se negó a mostrar su trabajo en la Bienal de Whitney de 1995, después de que su curador Klaus Kertess la persiguiera).
Pero Bontecou pareció disfrutar eso, especialmente sin la presión de mostrar en una galería. En su historia oral de 2009, dijo: “Fue realmente genial. Esa fue una de las razones de la enseñanza… estar libre de todo eso. … Y así no tuve que pelear – y Morris [Dorsky] Solía llamar y decir: ‘¿Por qué no apareces?’ y todas estas cosas, y yo decía: ‘Oh, Mauricio, vete'».
Pero, luego de un problema de salud a principios de la década de 2000, Bontecou aceptó participar en la planificación de una procesión itinerante comisariada por Elizabeth AT Smith, quien previamente había organizado una encuesta de su trabajo en la década de 1990 en el Museo de Arte Contemporáneo i. Los Ángeles, y Ann Philbin, directora del Museo Hammer de Los Ángeles. La retrospectiva se inauguró en el Hammer en 2003, antes de parar en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el MoMA.
La exposición, que también incluyó obras inéditas de Bontecou durante los siguientes 30 años, atrajo una renovada atención sobre el trabajo de Bontecou, volviendo a poner en primer plano su obra, que ha inspirado a numerosos artistas durante casi dos décadas hace un año.
«Cuando [Bontecou] abrió la puerta del granero de su estudio, fue uno de los momentos más emocionantes y conmovedores de mi vida», dijo Philbin ARTnoticias en un correo electrónico. “El granero estaba lleno de los 30 años de gran trabajo que hizo por derecho propio. Arraigado en la naturaleza y en su poderosa imaginación, las esculturas y dibujos de Lee son feroces, hermosos y únicos. A pesar de su determinación de permanecer fuera de la corriente principal, se destaca como una de las artistas más importantes de su tiempo».
Y aunque el arte de Bontecou puede haber hecho una referencia directa al mundo tal como lo veía a su alrededor, nunca quiso definir estrictamente lo que significaba. Eso dependía de la audiencia. Como ella le dijo a la lector de chicago cuando se le preguntó, «¿Alguna vez la gente te pregunta, ‘¿Qué significa esto?’ ¿Qué dices?», ella respondió con frialdad, «No respondo en absoluto. Es lo que ves allí. Otra cosa que veo ahí. No estoy atrapado en eso”.